12 Prinzipien der Animation erklärt! (Mit Beispielen)

Wenn wir an Zeichentrickfilme denken, kommen uns sofort die Disney-Filme in den Sinn. Sie waren ein fester Bestandteil unserer Kindheit und haben einen besonderen Platz in den Herzen vieler von uns. Ihre fesselnden Animationen und märchenhaften Geschichten haben unsere Kindheit unvergesslich gemacht. Obwohl Disney bereits vor einem Jahrhundert gegründet wurde, gelingt es ihnen immer noch, Menschen aller Altersgruppen mit ihren zeitlosen Kreationen zu begeistern.

Für angehende Animatoren ist es wichtig zu wissen, dass bestimmte Grundlagen notwendig sind, um ansprechende Animationen zu erstellen, die den Gesetzen der Physik entsprechen.

Diese Grundlagen der Animation wurden 1981 in dem Buch "The Illusion of Life" vorgestellt: Disney Animation" von den Animatoren Ollie Johnston und Frank Thomas vorgestellt. Sie stellten die 12 Prinzipien der Animation vor, die bis heute als Maßstab für Animationstechniken dienen, auch wenn sich der Prozess gegenüber den traditionellen Methoden weiterentwickelt hat.

Die 12 Grundsätze der Animation sind:

1. Squash and Stretch
2. Anticipation
3. Staging
4. Straight Ahead Action and Pose to Pose
5. Follow Through and Overlapping Action
6. Slow In and Slow Out
7. Arc
8. Secondary Action
9. Timing
10. Exaggeration
11. Solid Drawing
12. Appeal

Schauen wir uns also jeden Grundsatz einzeln an.

1. Squash and Stretch

Die Quetsch- und Strecktechnik wird von Animatoren verwendet, um das Gewicht, die Flexibilität und die Härte eines Objekts zu vermitteln.

Bei der Animation eines fallenden Objekts zum Beispiel wird es flach, wenn es den Boden berührt, und dehnt sich aus, um sein Volumen zu erhalten. Dies zeigt, dass das Objekt flexibel ist.

Ähnlich verhält es sich mit den Gesichtern und Körpern von Figuren, die gedehnt und gestaucht werden, um Emotionen auszudrücken.

Hier ein Beispiel dafür, wie die Technik des Stauchens und Dehnens im Film Der König der Löwen eingesetzt wird. Sehen Sie sich an, wie Simbas Mimik mit dieser Technik dargestellt wird, als er zum ersten Mal einen Käfer probiert.

Diese Technik macht die Animation etwas realistischer, indem sie der Szene mehr Tiefe und Definition verleiht. Sie kann jedoch auch komisch wirken, wenn sie bis zu einem gewissen Grad übertrieben wird.

Hier ist ein Video, das die Squash and Stretch Animationstechnik zeigt.

2. Anticipation

Antizipation in der Animation bereitet das Publikum auf das vor, was als Nächstes passieren wird. Dazu gehört eine kleine Bewegung oder Handlung, die einer größeren vorausgeht.

Bevor eine Figur springt, geht sie zum Beispiel oft kurz in die Hocke. Diese hockende Bewegung ist ein Beispiel für Antizipation in der Animation, da sie dem Publikum signalisiert, dass ein Sprung bevorsteht.

In diesem Beispiel erzeugt Tarzan einen Vorzieheffekt, indem er in die Hocke geht und um hohe Äste und Lianen herumspringt.

Diese Technik macht die Animation realistisch, denn sie ahmt nach, wie wir uns im wirklichen Leben bewegen und handeln, wo kleine Bewegungen oft unseren Handlungen vorausgehen.

Hier ist ein Video, das die Antizipationstechnik in der Animation zeigt.

3. Staging

Die Inszenierung in der Animation umfasst die Anordnung von Figuren, Requisiten, Hintergrund und Kameraperspektive.

Sie haben vielleicht bemerkt, dass sich eine Szene in der Animation in einer Sequenz entfaltet und nicht auf einmal. Dies lenkt die Aufmerksamkeit des Zuschauers auf eine Sache zur gleichen Zeit.

Das folgende Gif aus Der König der Löwen ist ein perfektes Beispiel dafür. Die vier Figuren auf dem Steinsims sind der Hauptfokus. Wenn die Kamera allmählich herauszoomt, werden zusätzliche Elemente in den Rahmen gebracht. So kann der Betrachter die gesamte Szene vollständig erfassen.

Wenn zu viele Handlungen gleichzeitig stattfinden, geht der Fokus des Betrachters verloren. Eine gute Inszenierung ist also entscheidend für eine erfolgreiche Erzählung.

Schauen Sie sich dieses Video an, um zu erfahren, was eine gute Inszenierung im Einzelnen ist.

4. Straight Ahead Action and Pose to Pose

Beim Zeichnen von Animationen gibt es 2 Möglichkeiten: Geradeaus-Aktion und Pose-zu-Pose.

Bei der "Straight Ahead Action" wird eine Aktion Bild für Bild gezeichnet, um einen reibungslosen Bewegungsfluss zu schaffen. Bei dieser Methode beginnt man mit einer Zeichnung und zeichnet dann nacheinander weiter, wobei man das letzte Bild meist nicht kennt.

Dieser Ansatz ist jedoch zeitaufwändig, da für eine einzige Aktion viele Bilder gezeichnet werden müssen.

Das folgende Beispiel verwendet die Straight Ahead-Technik. Hier schüttelt der Prinz aus dem Film Die Schöne und das Biest das Wasser auf sanfte Art und Weise ab.

Bei der Pose-to-Pose-Technik hingegen muss man eine klare Vorstellung von der Handlung haben. Man muss das erste und das letzte Bild zeichnen, die extremen Posen erstellen und dann die mittleren Bilder ausfüllen. Da bei dieser Methode nicht viele Füllbilder gezeichnet werden müssen, ist die Bewegung dramatisch, und es können Sprungschnitte erstellt werden.

Schauen wir uns für diese Technik das folgende Beispiel an. Pooh aus dem Zeichentrickfilm Winnie the Pooh dreht sich vor dem Spiegel um. Hier können wir sehen, dass die Füllbilder minimal sind.

Schauen Sie sich dieses Video an, um die Unterschiede zwischen diesen beiden Methoden visuell zu verstehen.

5. Follow Through and Overlapping Action

Follow Through und Overlapping Action sind zwei wichtige Techniken, die in der Animation verwendet werden, um realistische und flüssige Bewegungen zu erzeugen. Bei diesen Techniken bleiben Teile der Figur in Bewegung, auch wenn die Figur angehalten hat.

Wenn z. B. eine Figur, die einen Umhang trägt, rennt und zum Stillstand kommt, schwingen der Umhang und die Haare der Figur noch einen Moment lang weiter, bevor sie wieder zur Figur zurückgezogen werden. In diesem Fall folgt der Umhang der Bewegung der Figur. Die Tendenz des Umhangs und der Haare, sich in einem anderen Tempo als die Figur zu bewegen, zeigt die sich überschneidende Aktion.

Hier ist ein Beispiel aus dem Film Mulan. Die Protagonistin blickt ungläubig von einer Seite zur anderen. Wenn sie ihren Kopf bewegt, folgen ihre Haare ihr und überschneiden sich mit ihrer Handlung.

Durch die Nachahmung des natürlichen Bewegungsablaufs lässt diese Animationstechnik die Bewegung realistischer erscheinen.

Um diese Animationstechnik besser zu verstehen, können Sie sich dieses Video ansehen.

6. Slow In and Slow Out

In der praktischen Welt brauchen Objekte Zeit, um an Geschwindigkeit zu gewinnen. Sie ändern ihre Geschwindigkeit nicht sofort von 0 auf 100.

Um einen realistischeren Effekt zu erzielen, lassen Animatoren die Bewegung von Figuren langsam beginnen und enden, mit schnelleren Bewegungen dazwischen. Dieser Geschwindigkeitswechsel macht die Bewegung lebensechter.

Um diesen Effekt zu erzielen, zeichnen die Animatoren mehr Bilder am Anfang und am Ende der Handlung, um den Eindruck einer langsamen Bewegung zu vermitteln. Dazwischen werden weniger Frames gezeichnet, um die Geschwindigkeit zu betonen.

Um diese Technik visuell zu verstehen, sehen Sie sich das folgende Beispiel an. Hier bewegt sich Aschenputtel zu Beginn langsam und wird dann schneller, bevor es wieder langsamer wird. So entsteht ein fließender Bewegungsablauf, der nicht linear wirkt.

Es ist jedoch wichtig, diese Technik dort einzusetzen, wo sie nicht gegen die Gesetze der Physik verstößt. Es ist zum Beispiel unmöglich, mit dieser Technik ein von einem Baum fallendes Blatt zu animieren, da die Bewegung des Blattes ausschließlich vom Wind abhängt.

Hier ist ein Video, das diese Technik im Detail zeigt.

7. Arc

Der Begriff Bogen bezieht sich auf die Bewegung eines Objekts oder einer Figur in Kurven und nicht in einer geraden Linie. Wir Menschen bewegen uns in Kurven. Selbst eine einfache Bewegung, wie das Drehen unseres Kopfes, folgt einem gekrümmten Weg. Stellen Sie sich vor, Sie drehen Ihren Kopf in einer geraden Linie. Das wirkt fast roboterhaft und unheimlich.

Um die Animation realistischer und natürlicher zu gestalten, verwenden die Animatoren diese Technik der gekrümmten Bewegungsabläufe. Wenn eine Figur zum Beispiel ihr Schwert schwingt, wird es in einer gekrümmten Bahn und nicht in einer geraden Linie animiert.

Hier schwingt Aladdin das Schwert in einer bogenförmigen Bewegung gegen die Schlange, wodurch die Animation vollständig wirkt.

In diesem Video sehen Sie, wie Bögen in der Animation verwendet werden.

8. Secondary Action

Eine Nebenhandlung verstärkt die Haupthandlung und gibt der Haupthandlung mehr Details. Diese sekundären Handlungen können verwendet werden, um den Charakterzug eines Charakters darzustellen oder um die Emotionen des Charakters zu schildern.

Nehmen wir zum Beispiel an, eine Figur isst einen Burger. Dies ist die Haupthandlung. Aber wenn sie nach dem ersten Bissen die Augenbrauen hochzieht, ist das eine Nebenhandlung, die der Szene weitere Details hinzufügt. Sie zeigt, dass die Figur von dem Geschmack überrascht ist.

In diesem Beispiel wird Stitch liebenswert wütend, wenn ihm ein Snack verweigert wird. Das Zurücklegen der Ohren ist eine Nebenhandlung, die diese Haupthandlung noch detaillierter macht.

Bei dieser Technik ist es jedoch wichtig, daran zu denken, dass die Nebenhandlung nur hinzugefügt werden sollte, um die Haupthandlung zu verstärken, und nicht, um den Fokus von ihr zu nehmen.

Sehen Sie sich dieses Video an, um diese Nebenhandlung im Detail zu verstehen.

9. Timing

Der Begriff "Timing" bezieht sich auf die Geschwindigkeit der Szene, die durch die Anzahl der verwendeten Bilder bestimmt wird. Wenn mehr Bilder verwendet werden, erscheint die Szene langsamer. Andererseits wirkt die Szene schneller, wenn weniger Bilder verwendet werden.

Es ist wichtig, das Timing für jedes Objekt in der Animation im Hinblick auf die Größe und das Gewicht des Objekts richtig festzulegen. Wird beispielsweise eine Figur gezeigt, die einen großen Ball rollt, hängt das Timing vom Gewicht des Balls ab.

Wenn der Ball leichter ist, braucht die Figur weniger Zeit, um ihn zu bewegen, so dass weniger Frames benötigt werden. Ist der Ball dagegen schwerer, braucht die Figur länger, um ihn zu bewegen, und es müssen mehr Bilder gezeichnet werden.

Hier, auf dem Höhepunkt des Aladdin-Films, ist der Tanz der Dschinns schnell, was bedeutet, dass weniger Frames für diese Aktion benötigt werden.

Hier ist ein Video, das die Timing-Technik in der Animation zeigt.

10. Exaggeration

Die Übertreibungsanimation wird eingesetzt, um einen dramatischen Effekt zu erzielen und die Erzählung zu verbessern.

Diese Technik wird auf Handlungen, Ausdrücke und sogar Posen angewandt, um ihnen mehr Wirkung zu verleihen.

Durch die Übertreibung bestimmter Elemente können Animatoren auch einen komischen Effekt in die Animation einbringen. Wenn zum Beispiel eine Figur versehentlich gegen einen Pfosten läuft und dabei einen extremen Gesichtsausdruck zeigt, wirkt die Szene sehr komisch.

Schauen wir uns ein Beispiel an. Hier verliert Goofy auf seinen Rollschuhen das Gleichgewicht. Die folgenden Handlungen werden übertrieben dargestellt, um sie lustig zu machen.

Schauen Sie sich dieses Video an, um zu sehen, wie übertriebene Handlungen noch effektiver sind.

11. Solid Drawing

Solid Drawing ist eine wichtige Technik in der Animationsbranche. Dabei geht es darum, den Figuren Gewicht und Volumen zu verleihen, indem sie so gezeichnet werden, wie sie in einem dreidimensionalen Raum erscheinen würden.

Um dies zu erreichen, zeichnen die Animatoren die Figur in verschiedenen Posen und Winkeln, um sicherzustellen, dass die Proportionen in allen Szenen gleich bleiben.

In dem Film Die kleine Meerjungfrau schwebt Ursula in einem Wirbel. Ihr Körper verändert sich, während sie sich bewegt, was ihr ein 3D-Erscheinungsbild verleiht.

Es ist erwähnenswert, dass die Animatoren Thomas und Ollie davon abgeraten haben, "Zwillinge" - Figuren mit symmetrischen Gesichtszügen - zu verwenden, da dies zu spiegelnden Bildern führt, die unrealistisch wirken können.

Um mehr über das Zeichnen von Körpern zu erfahren, finden Sie hier ein hilfreiches Video.

12. Appeal

Die Schaffung einer ansprechenden Figur ist entscheidend, um sie für das Publikum unvergesslich und spannend zu machen. Der Begriff "Attraktivität" bezieht sich nicht nur auf die körperliche Attraktivität, sondern auch auf die faszinierenden und charmanten Eigenschaften der Figur.

Die Attraktivität ist für alle Charaktere erforderlich, die für das Video oder den Film wichtig sind. Er ist nicht nur auf Helden beschränkt, denn auch Bösewichte verdienen eine starke Ausstrahlung, um ihrem Charakter Gewicht zu verleihen.

Scar, der Antagonist aus Der König der Löwen, ist beispielsweise für seine markanten Gesichtszüge bekannt. Seine grünen Augen und seine Narbe verleihen ihm eine starke Anziehungskraft und verleihen dem negativen Charakter mehr Gewicht.

Dieses Video zeigt, wie Charaktere durch das Hinzufügen einzigartiger Merkmale an Attraktivität gewinnen können. Sehen Sie es sich an.

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Die 12 Prinzipien der Animation wurden von traditionellen Animatoren entwickelt, die schon lange in der Branche tätig sind.

Diese Grundsätze spielen eine wichtige Rolle, wenn es darum geht, glaubwürdige Animationen zu erstellen, auch wenn sie bis zu einem gewissen Grad übertrieben sind. Es ist von entscheidender Bedeutung, Animationen zu erstellen, die den Zuschauer in die Welt eintauchen lassen.

Trotz des rasanten Fortschritts in der Animationstechnologie sind diese Grundprinzipien für angehende Animatoren nach wie vor relevant und wertvoll.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die 12 Grundsätze der Animation es Animatoren ermöglichen, visuell ansprechende und emotional ansprechende Animationen zu erstellen, die einen bleibenden Eindruck beim Publikum hinterlassen.

Nachdem Sie die Grundlagen der Animation gelernt haben, ist es nun an der Zeit, diese in die Praxis umzusetzen. Schauen Sie sich die 2D-Animationssoftware von Animaker an. Wenden Sie diese Prinzipien an und erstellen Sie unglaubliche Animationen!

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